Dekonstruktywizm w modzie jako body art

Na początku lat 80. dekonstruktywizm po raz pierwszy pojawił się jako międzynarodowy ruch w architekturze. Znani przedstawiciele, tacy jak: Zaha Hadid, Frank O. Gehry, Daniel Liebeskind, Peter Eisenmann, Günter Behnisch, Bernard Tschumi, wiedeńska grupa Coop Himmelblau stworzyli niezwykłą architekturę, kontrastującą z tradycją. W przypadku haute couture i designerskiej mody istnieje również analogia z dekonstruktywizmem w modzie. Konwencjonalna prawidłowość, symetria i stały porządek są w dużej mierze obce. Projektanci mody nie biorą pod uwagę codzienności czy masowej produkcji. Ubranie staje się bezcelowe, ale nie brakuje funkcjonalnej więzi z ciałem.

Dekonstruktywizm w modzie – historia i rozwój

Podobnie jak w architekturze, dekonstruktywizm w modzie charakteryzuje się zabawnym podejściem do elementów konstrukcyjnych. Czym są fundamenty, drzwi, schody i dachy budynku, to krój, szwy, obszycia i zapięcia odzieży. Zakwestionowane zostają konwencjonalne porządki i proporcje. Wszystkie konwencje są odrzucane i ustalane są nowe kryteria estetyczne. Dekonstruktywizm podąża za logiką złożoności, sprzeczności i paradoksu. Moda rozumiana jest jako sztuka, która przekazuje idee, koncepcje i emocje, ale nie traci swojej najbardziej podstawowej funkcji.

Jak powstał dekonstruktywizm w modzie: Drapage

Na pojawienie się dekonstruktywizmu w modzie nie miał wpływu nurt w architekturze, ale najstarsza forma ubierania ciała – draperia. Tkanina jest manipulowana poprzez składanie, skręcanie, cięcie i przyklejanie, aż w końcu powstaje trójwymiarowy kształt. Madeleine Vionnet i Alix Grès jako jedni z pierwszych stworzyli swoje projekty w ten sposób. Jej sukienki uszyte z lejących się tkanin bawiły się wokół kobiecej sylwetki i pozwalały na dużą swobodę ruchów. Jako źródło inspiracji wykorzystywano głównie elementy garderoby antycznej. Przekątne i niekonwencjonalne rozwiązania szwów, węzły i skręty zaowocowały sukienkami, które dążą do ponadczasowej elegancji. Pierwsza kolekcja odzieży powstała w 1906 roku dla domu mody „Doucet”.

Dekonstruktywizm w architekturze – struktury nieregularne

Dekonstruktywizm – definicja, cechy & znani przedstawiciele

Nowoczesna marka modowa PENDARI żyje z celowej zmiany stylu

Dekonstruktywizm w modzie poprzez haute couture – Balenciaga

Balenciaga później projektowała swoje kolekcje w podobny sposób, ale tym razem z mocniejszych materiałów. Dzięki niemu sylwetki mają efekt architektoniczny i ekspansywny. Oprawiają ciało jak rzeźba i są wyjątkowe ze względu na swoje wyważone proporcje i szczegółowe rozwiązania i są natychmiast rozpoznawalne jako “Balenciaga”. Swoboda twórcza w opracowywaniu i realizacji modeli jest częścią haute couture, która później stała się modą prêt-à-porter. Wszystkie kreacje są szyte na miarę, a draperie okazały się idealną metodą poszukiwania indywidualnych sylwetek.

Dekonstruktywizm w modzie japońskiej – Issey Miyake i Yohji Yamamoto

W połowie lat 80. coraz więcej projektantów zainteresowało się tą techniką i często wykorzystywało ją do tworzenia swoich nowych kolekcji. Zmienione proporcje i celowa asymetria podekscytowały świat mody. Projektanci szukali nieszablonowych, ale sensownych form i sylwetek, które oddają pewien motyw przewodni. Pojawił się nowy trend w modzie – dekonstruktywizm. Największy wpływ wywarli japońscy projektanci mody, którzy w nowoczesnym stroju przenieśli tradycję japońskiego stroju.

Issey Mijake

W przeciwieństwie do zachodniego ubioru, który skupia się na ciele, japońska odzież kładzie duży nacisk na ruch i swobodę. Issey Miyake odważnie eksperymentuje z nowymi tkaninami, ekstremalnymi objętościami i wymiarami ciała ciągle się zmieniają. Plisowane żaluzje często można zobaczyć w jego kolekcjach, nadając sukienkom i spódnicom rzeźbiarski kształt. Zauważalne jest upodobanie projektanta do kostiumów teatralnych i baletowych.

Yohji Yamamoto

Wśród najbardziej wpływowych przedstawicieli dekonstruktywizmu znaleźli się japońscy projektanci mody Rei Kawakubo i Yohji Yamamoto, którzy w nowoczesny sposób wcielają w modę japońską kulturę i pewne filozoficzne podstawy. Modele Yamamoto charakteryzują się zmysłowością i wygodą i są zaprojektowane głównie w dwóch kolorach – czarnym i białym, co daje poczucie wewnętrznego spokoju. Projektantka tworzy je ze sztywnych tkanin, które pokazują, że moda to nie tylko piękne powierzchnie.

Dla projektantów mody, przedstawicieli dekonstruktywizmu, krytyczna analiza estetycznych nawyków mody i społeczeństwa ma fundamentalne znaczenie. Sylwetki nabierają eksperymentalnego charakteru i wydają się niedokończone, zmontowane i po prostu zdekonstruowane. Odzież została wymyślona na nowo i ma otrzeźwiający efekt, który japońscy projektanci mody przenoszą do Anglii, Francji i Ameryki.

W latach 90. dekonstruktywizmem zajmowało się trzech innych paryskich projektantów mody: Ann Demeulemeester, Martin Margiela i Hussein Chalayan. Twoje modele nie służą już jako piękna prezentacja idealnego ciała, ale jako powłoka. Język projektowania jest pod silnym wpływem materiału, a nacisk kładziony jest na innowacyjną siłę projektowania tekstyliów.

Ann Demeulemeester

Belgijska projektantka Ann Demeulemeester tworzy sylwetki, które wyglądają swobodnie, przypadkowo i niedokończone. Opiera się na mocnych kontrastach, zwłaszcza w czerni i bieli, które uzyskuje się dzięki materialności tkanin. Odsłonięte ciało to jeden z najważniejszych elementów projektowych projektantki mody.

Maison Martin Margiela

Pochodzący z Belgii Martin Margiela rozkłada ubranie i składa nowe. Dla niego dekonstruktywizm działa niemal jak proces tworzenia mody. Spodnie stają się spódnicami, rękawiczki topami, a szwy skierowane na zewnątrz. Margiela uwidacznia to, co zwykle kryje się w modzie. Niezwykłe zmontowane części tworzą nową estetykę, a ubrania nabierają szczególnego znaczenia. Bardzo interesujące dla osobowości Maison Margiela jest to, że nigdy nie był widziany ani fotografowany. Sam nigdy nie pojawił się na wybiegu i chciał skupić się na swojej pracy, a nie na osobie projektanta.

Hussein Chalayan

Hussein Chalayan znany jest z niezwykłego sposobu pracy przy projektowaniu swoich kolekcji. Jego ubrania często ulegają transformacji i wyglądają jak przedmioty noszone na ciele. Konwencjonalne materiały i przepisy nie są dla niego wystarczająco kreatywne. Jego kolekcje opierają się na koncepcjach, które są realizowane poprzez odzież i upubliczniane. Ważnym instrumentem dla jego modeli jest draperia i źródło inspiracji – antyczne szaty.

Haidera Ackermanna

W swoich aktualnych kolekcjach współcześni projektanci, tacy jak Alexander McQeen, Haider Ackermann, Matthew Ames, Helmut Land, Jil Sander i in., interpretują temat dekonstruktywizmu w modzie. Uwalniają odzież z funkcji użytkowej i przekazują ideę mody jako sztuki, której sceną jest wybieg.

Dekonstruktywizm w dzisiejszej modzie